El repartidor de hielo

4 comentarios en «El repartidor de hielo»

1. A principios de los setenta, el productor independiente Ely Landau, quien ya había realizado programas de teatro para televisión, así como producido algunos títulos de cine independiente ( El prestamista o Larga jornada hacia la noche , esta última una adaptación de Eugene ONeill, dirigidas por Sidney Lumet), inició el ambicioso proyecto de adaptar grandes obras teatrales al cine, nacía así el American Film Theatre, del que esta película constituye un soberbio exponente.
   
   Dirigida por John Frankenheimer, y contando con uno de los mejores repartos posibles en aquella época, el filme constituye una fiel adaptación de la obra original de ONeill, en la que un grupo de fracasados, gandules, revolucionarios frustrados y prostitutas, alcohólicos todos ellos, se reúnen en una taberna a rumiar sus desventuras y a ilusionarse con un futuro mejor, el cual sólo existe en el fondo de sus botellas. La llegada de Hickey, un parroquiano habitual, les despierta de su letargo al enfrentarles con la dura realidad: las fantasías, la necesidad de esperanza y compasión, no son sino frutos de la enorme desesperación en la que viven sumidos, y sin embargo (y esto resulta aún más terrible), esas vanas y etílicas apariencias son lo único que les queda para seguir viviendo.
   
   Más allá del indudable interés que la historia posee, El repartidor de hielo tiene la virtud de erigirse en un modélico ejercicio de adaptación de una obra teatral compleja a los modos y maneras propios del arte cinematográfico. Baste decir que toda la acción transcurre en el interior del bar, y que ello obligó a Frankenheimer a trabajar intensamente la puesta en escena, y a planificar con todo cuidado la colocación y los movimientos de las cámaras, todo ello se aprecia en el acertado montaje, que cuenta con planos muy bien compuestos, así como con meritorias panorámicas, zooms e incluso travellings circulares. La fotografía logra transmitir la densa atmósfera de un tugurio, e incluso los matices lumínicos propios de las distintas horas del día.
   
   El guión, que recorta parte de los diálogos originales (la obra tiene una duración de cuatro horas, y la película no llega a tres), está plagado de grandes frases, reflexiones profundas y certeras. En cuanto a las interpretaciones puede afirmarse que son todas buenas, destacando Lee Marvin como Hickey, Frederic March como Harry Hopes, un jovencísimo Jeff Bridges como Parritt, y por encima de todos, un soberbio Robert Ryan, encarnando a Larry Slade. En el rostro devastado de Robert Ryan, en esa mirada triste y desesperanzada que transmiten sus ojos hay un talento interpretativo que roza la genialidad.
   
   Resumiendo, una película magnífica que en palabras de su director constituía la mejor experiencia creativa que hubiera realizado nunca. Sólo por eso, porque Frankenheimer se ha hecho acreedor de la confianza de los aficionados al cine, este filme resulta imprescindible.

2. La American Film Theatre presenta la versión de la obra cumbre dEugene ONeill adaptada por el guionista Thomas Q. Curtiss y dirigida por John Frankenheimer. En la trastienda de un bar se reúnen los componentes de un grupo de alcohólicos, vagos, fracasados, derrotados, radicales e inadaptados, que ahogan sus problemas en la bebida y en la creación de fantasiosos planes de redención. Cuando llega Hickey (Lee Marvin), al que todos esperan en vela, éste con su palabrería y su poder de convicción, les argumenta que las ilusiones y los sueños son el obstáculo que les impide estar en paz con ellos mismos y, por consiguiente, la reinserción en una vida normal. Estas palabras mueven a los atónitos oyentes a dejar de lado sus ilusiones y proyectos (sus castillos en el aire). Las consecuencias se advierten pronto: caen en una situación de postración y desesperación. En una aparición posterior, Hickey defiende la necesidad de que las personas construyan sus castillos en el aire para poder liberarse del sentido de fracaso y de la constatación de la propia ruina personal.

3. Esta película la vi en su corte del director . No me arrepiento de haberme tragado (a lo largo de una semana) sus cuatro horas de metraje.
   
   Esta es una adaptación muy bien realizada del la obra de Eugene ONeill. Lo más destacable son las excelentes actuaciones de todos los involucrados. A veces parece que sobreactúan, pero es algo que viene bien para amenizar la película, teniendo en cuenta su reducido espacio escénico. Robert Ryan cerró con broche de oro su carrera artística con una actuación de lujo en esta película que sería su última antes de fallecer.
   
   La dirección está genial, no podía esperarse otra cosa del gran Frankenheimer. El montajista reguló bien los tiempos para que no se nos haga pesada. El diseño de producción, con una paleta de colores reducida en donde tienen preponderancia los tonos marrones, logra transmitir a la perfección el tono deprimente y áustero de la obra.
   
   En conclusión, mírala. Y si puedes, mira el corte del director. Es largo, pero no me imagino cómo podrías llegar a congeniar con los personajes y sentir el peso del mensaje si vieras un mero resumen.

4. Gran decepción me he llevado con esta película.
   
   Me atrajeron su director y su reparto, así que me dispuse a verla esperando ver algo bueno de verdad.
   
   Pero lo que he visto han sido 170 minutos de incesante parloteo vacío e interpretaciones sobreactuadas, para desarrollar un argumento nulo, sin sentido, sin lograr entender a los personajes ni mucho menos empatizar con ellos, y todo ello en un mismo escenario interior.
   
   Puede que sea la peor película teoricamente buena que haya visto en mi vida.